En una época donde la animación digital parece avanzar hacia imágenes cada vez más perfectas, realistas, fluidas y espectaculares, existe un estudio que ha demostrado que una película no necesita parecerse a ninguna otra para conquistar al público. Hoy quiero hablar de Cartoon Saloon, el estudio de animación irlandés que no destaca únicamente por sus historias, sino por haber construido un lenguaje visual propio y reconocible.
Su trabajo demuestra que el estilo gráfico puede ser mucho más que una cuestión estética. Se convierte en una herramienta para narrar, transmitir emociones, construir mundos y conseguir que una obra sea reconocible prácticamente desde el primer fotograma.
De Kilkenny al reconocimiento internacional
Cartoon Saloon nació en 1999 en Kilkenny, Irlanda, de la mano de Paul Young, Tomm Moore y Nora Twomey. Desde sus inicios, el estudio apostó por desarrollar historias originales y por reivindicar las posibilidades de la animación 2D.
Su reconocimiento internacional empezó a adquirir relevancia con The Secret of Kells, estrenada en 2009 y codirigida por Tomm Moore y Nora Twomey. La película consiguió una nominación al Oscar a mejor película de animación dando a conocer el nombre de Cartoon Saloon y posicionándolo en el mapa internacional.
A partir de ese momento, el estudio fue desarrollando una identidad cada vez más reconocible, basada en la combinación de animación, ilustración, mitología, cultura irlandesa y técnicas tradicionales. El resultado ha sido una trayectoria marcada por numerosas nominaciones y por la consolidación del estudio como uno de los referentes de la animación europea contemporánea.
Pero quizá lo más interesante es que Cartoon Saloon consiguió construir una personalidad propia en una industria dominada durante décadas por grandes compañías y productoras estadounidenses.
The Secret of Kells
Si queremos entender el estilo gráfico de Cartoon Saloon, tenemos que empezar por The Secret of Kells. La película narra la historia de Brendan, un joven que vive en una abadía medieval y participa en la creación de un manuscrito extraordinario.
La referencia fundamental de esta obra es el Libro de Kells, uno de los grandes ejemplos de la iluminación medieval irlandesa del siglo 800 d.C. El estudio no usa esta referencia histórica únicamente en el argumento, sino que convierte las características visuales de los manuscritos medievales en el lenguaje gráfico de la película. Aparecen líneas ornamentales, geometrías, patrones decorativos, formas planas, colores intensos y composiciones que recuerdan directamente a la ilustración medieval.
Recuerdo perfectamente el impacto que tuvo en mí la primera vez que vi esta película. El resultado es sencillamente fascinante. En determinados momentos de la película da la sensación que estamos viendo como si una ilustración de un manuscrito antiguo se moviese y cobrase vida.
Para un diseñador gráfico, la lección es evidente: una referencia cultural puede convertirse en un sistema visual. Pero no me mal interpretéis, no se trata simplemente de utilizar motivos celtas porque resulten atractivos. Se trata de investigar un lenguaje visual y transformarlo en una herramienta narrativa coherente.
Song of the Sea
En 2014 se estrenó Song of the Sea, dirigida por Tomm Moore. La película cuenta la historia de Ben y Saoirse, una niña que pertenece al mundo de las selkies (criaturas de la mitología irlandesa capaces de transformarse entre humanos y focas). Aquí Cartoon Saloon continúa desarrollando su interés por el folclore irlandés, pero amplía considerablemente su investigación visual.
El resultado vuelve a estar construido a partir de personajes estilizados, formas geométricas, líneas expresivas, fondos que bien podrían funcionar casi como ilustraciones independientes y una paleta cromática muy trabajada.
Una de las características más interesantes de Song of the Sea, es su capacidad para demostrar que simplificar una imagen no significa hacerla menos expresiva. Al contrario. En lugar de representar cada detalle de manera realista, Cartoon Saloon selecciona solo aquellos elementos que considera esenciales para transmitir una determinada sensación: una línea puede sugerir movimiento, un determinado color crear una atmósfera, una silueta definir un personaje y una forma geométrica convertirse en un elemento narrativo.
Por que en el diseño gráfico, no siempre comunica mejor una imagen cuanta más información tenga.
The Breadwinner
En 2017 Cartoon Saloon demostró que su identidad visual no dependía exclusivamente de la mitología irlandesa. The Breadwinner, dirigida por Nora Twomey, narra la historia de Parvana, una niña de once años que vive en Kabul bajo el régimen talibán.
La película, basada en la novela de Deborah Ellis, presenta una realidad histórica, social y cultural muy distinta a las anteriores producciones del estudio. Pero entonces, ¿cómo mantener una identidad visual reconocible cuando cambia radicalmente el universo narrativo? La respuesta del estudio consistió en adaptar el lenguaje gráfico a las necesidades de la historia combinando diferentes tratamientos visuales. La realidad de Parvana posee un lenguaje determinado, mientras que las historias que ella imagina, introducen una dimensión más simbólica y fantástica.
Se podría decir entonces, que tener un estilo visual no significa utilizar siempre los mismos recursos. Una sólida identidad visual no es una colección de recursos gráficos que se repiten constantemente. Es un conjunto de principios que pueden adaptarse a distintas situaciones.
Wolfwalkers
En 2020 llegó Wolfwalkers, dirigida por Tomm Moore y Ross Stewart. La película cuenta la historia de Robyn, una joven aprendiz de cazadora que llega a Irlanda con su padre para acabar con la última manada de lobos.
Visualmente, Wolfwalkers se podría entender como una síntesis de muchas de las investigaciones que Cartoon Saloon había desarrollado durante años. Su lenguaje visual juega con la geometría, las líneas, texturas y formas orgánicas. Pero existe una decisión gráfica especialmente interesante: la diferenciación del lenguaje visual entre la ciudad y el bosque.
La ciudad está asociada a estructuras rígidas, ordenadas y geométricas. El bosque, por el contrario, utiliza formas orgánicas, curvas y composiciones más libres. De esta manera, el diseño visual ayuda a construir la propia narrativa visual. No estamos simplemente ante dos escenarios diferentes. Estamos ante dos maneras de entender el mundo representadas mediante dos lenguajes gráficos diferentes.
Para un diseñador gráfico, este recurso es especialmente interesante ya que demuestra como la composición y la forma pueden comunicar conceptos sin necesidad de recurrir a las palabras.
** Además de estas obras, también cabe destacar sus películas My Father’s Dragon o Julián. Series de televisión como Puffin Rock, Anam an Amhráin o su próxima My Brother the Minotaur al igual que un buen número de cortos.
Las claves del estilo gráfico de Cartoon Saloon
No sabría decir cual es el elemento que hace de Cartoon Saloon tan reconocible o qué es lo que crea la atmósfera tan característica que envuelven sus obras. No veo una única respuesta, pero sí podemos identificar varios elementos recurrentes.
- La influencia de la ilustración: El dibujo tiene un gran peso en sus producciones. Sus películas conservan la personalidad de la línea y no se pretende ocultar su condición de ilustración animada.
- La simplificación: Las formas suelen reducirse a elementos primarios. Esto permite construir imágenes visualmente muy potentes sin necesidad de recurrir al realismo.
- Uso expresivo del color: El color no funciona únicamente como decoración. Ayuda a crear ambientes, diferenciar espacios y transmitir sensaciones.
- La geometría: Círculos, líneas, patrones, estructuras modulares y formas geométricas son un recurso constante. La geometría sirve para construir escenarios, personajes y composiciones.
- La influencia cultural: La mitología, el folclore, la historia y la tradición artística tiene un peso y una importancia fundamental. La cultura se convierte así en materia prima visual.
- La combinación entre técnicas tradicionales y herramientas digitales: Es cierto que Cartoon Saloon utiliza tecnología digital, pero no renuncia a la expresividad asociada a la ilustración tradicional. El objetivo no es conseguir una imagen artificialmente perfecta, sino aprovechar la tecnología para ampliar las posibilidades del dibujo.
¿Por qué ha tenido tanto éxito Cartoon Saloon?
El reconocimiento de Cartoon Saloon puede explicarse desde diferentes perspectivas:
Por un lado, existe una clara apuesta por las historias originales y culturalmente específicas. En lugar de intentar construir relatos universales o globales eliminando cualquier rasgo local, el estudio ha hecho precisamente todo lo contrario. Ha utilizado sus referencias culturales como fuente de identidad.
Por otro lado, existe una extraordinaria coherencia entre historia y estética. El aspecto o imagen de una de sus películas no parece decidido de forma independiente al argumento. El diseño visual ayuda a explicar el mundo que estamos viendo.
Y por último, hay un elemento especialmente importante. Su diferenciación frente a otros estudios de animación marcado por un carácter visual propio. Cartoon Saloon no necesita colocar su logotipo en un fotograma para que sepamos reconocer su trabajo. La combinación de ilustración, composición, color, geometría, cultura y narrativa visual genera una identidad única.
Qué puede aprender un diseñador gráfico de Cartoon Saloon
Para quienes trabajamos en diseño gráfico, el trabajo de Cartoon Saloon ofrece varias lecciones a tener muy en cuenta:
- La investigación como herramienta creativa:
Investigar una cultura, una época, una técnica o un movimiento artístico puede proporcionar recursos visuales mucho más interesantes que limitarse a consultar referencias gráficas. - El lenguaje visual necesita coherencia:
Cuando una identidad visual funciona, sus elementos no aparecen de forma arbitraria. Existen relaciones entre ellos que lo hace un todo. - Menos puede ser más:
Simplificar una imagen obliga a tomar decisiones. Son precisamente esas decisiones las que pueden hacer que una composición sea más clara y memorable. - El estilo no debe estar por encima del concepto:
Una estética espectacular puede llamar la atención durante unos segundos. Pero cuando el estilo y el concepto trabajan juntos, la imagen adquiere mucha mayor capacidad comunicativa.
En definitiva, sus películas nos muestran la diferencia entre crear imágenes atractivas y construir un sistema visual capaz de comunicar. Diseñar, por ejemplo, un personaje carismático es una cosa. Diseñar ese personaje, su entorno, su paleta cromática, sus formas, sus texturas, sus relaciones especiales y su evolución narrativa, y que todo ello hable el mismo lenguaje visual, es otra completamente diferente. Esto último requiere pensamiento de diseño, que es exactamente lo que encontramos en Cartoon Saloon.
Conclusión
Detrás de las películas de Cartoon Saloon nos encontramos ilustración, dirección artística, composición, color, narrativa visual, ritmo, investigación y concepto. Todo ello funcionando en un mismo ecosistema. Este estudio ha conseguido algo muy difícil en el mundo de la animación: tener una voz visual propia.
En una época digital que nos permite generar imágenes cada vez más rápido y más sofisticadas, Cartoon Saloon nos recuerda que la tecnología no sustituye a la idea. Si bien una buena herramienta puede ayudarnos a producir una imagen, es el concepto, la investigación y la capacidad de construir un lenguaje visual coherente lo que convierte esa imagen en comunicación.
Hola, soy Roberto Vidiella.
Soy fundador y Director Creativo de VIDI. Me apasiona el diseño gráfico, y mediante este blog, intento profundizar en mis conocimientos y compartir lo que he aprendido durante mi trayectoria. Si me dejas un comentario, me ayudas a seguir aprendiendo y mejorando, ¡y además me hace mucha ilusión!